Depressionen, Persönlichkeitsstörungen, Manie – verschiedenste anerkannte psychische Krankheiten finden sich nachgewiesenermaßen auffällig häufig unter kreativen und sensiblen Personen. Oftmals sind diese Personen in irgendeiner Form Kunstschaffende: Musiker, Schriftsteller, Schauspieler, Tänzer oder eben Maler. Statistisch gesehen haben Künstler ein überdurchschnittliches Risiko, von einer seelischen Krankheit betroffen zu sein.

Genie und Wahnsinn

Die sprichwörtlichen Genie und Wahnsinn treffen also tatsächlich oft zusammen. Die Gründe dafür sind vielseitig und interessant: zum einen lässt sich der Zusammenhang von psychischer Krankheit und Kreativität neurologisch erklären. So fanden Forscher im Laufe des 20. und 21. Jahrhunderts durch zahlreiche Studien und Analysen heraus, dass bestimmte Gene, die für außerordentliche Kreativität sorgen, ebenfalls eine instabile psychische Gesundheit beeinflussen.

Darüber hinaus fehlt es den Betroffenen bei vielen mentalen Krankheitsbildern an neurologischen Filterfunktionen, das heißt sie nehmen Emotionen sowie Situationen und erlebte Ereignisse intensiver und direkter wahr, ohne gewisse Grenzen im Denken wie bei gesunden Menschen. Dies führt in kranken Phasen zu intensiver Inspiration und unbegrenzter Vorstellungskraft. Es liegt nahe, dass diese Kombination aus natürlichem Talent, genetischen Faktoren und umfangreicher Fantasie zu Denkmustern und künstlerischen Ausdrucksformen führt, die sich bei psychisch gesunden Menschen im Vergleich eher selten einstellen.

Künstler als Außenseiter

Dennoch dürfen die negativen Aspekte von psychischen Krankheiten nicht aus den Augen gelassen werden, wenn man sich die Biografien und das soziale Umfeld vieler berühmter Künstler ansieht. Die exzentrische Lebensführung, die Verwirrtheit und Antriebslosigkeit in melancholischen Episoden sowie gerade die überbordende Vorstellungskraft vieler psychisch Kranken wurde und wird gesellschaftlich nicht gut aufgenommen oder verstanden.

Viele Merkmale von beispielsweise Depressionen, einer bipolaren Störung oder Schizophrenie stoßen gesunde Menschen ab, sie fühlen sich überfordert und nicht ausreichend zu Unterstützung in der Lage. Das Klischee des einsamen, seelisch zerrissenen Künstlers liegt also nicht so fern von der Wahrheit. In vergangenen Jahrhunderten war der aufgeklärte, medizinisch informierte Umgang mit psychisch auffälligen und instabilen Persönlichkeiten geradezu undenkbar. Wenn nicht in einer psychiatrischen Klinik, befand sich der verrückte Künstler daher meist in sozialer Isolation und sah sich mit Ablehnung von Familie und Öffentlichkeit konfrontiert. Daraus resultierte oft ein Leben in verarmten Verhältnissen, was der psychischen Gesundheit noch zusätzlich schadete und die Betroffenen erst recht an die Außenränder der Gesellschaft drängte.

Moderner Umgang

Wenn diese Persönlichkeiten dann Jahrzehnte oder Jahrhunderte nach ihrer Lebenszeit die entsprechende Anerkennung und Bewunderung für ihre Werke erhalten, wird dies oft vergessen. Aus heutiger Sicht und mit unserem medizinischen Wissensstand muss also unbedingt berücksichtigt werden, welches Leid derartige Krankheiten hervorrufen können. Neben all den Vorteilen hinsichtlich Kreativität, Sensibilität und Ausdruck sind psychische Krankheiten immer noch in erster Linie eine persönliche und soziale Tortur für viele der Betroffenen. Auffällige Motive oder Themen in den Kunstwerken sollten also immer sorgfältig betrachtet und hinterfragt werden, um die Künstler angemessen respektieren und gegebenenfalls behandeln zu können.

Die Kunstwerke von nachgewiesen und bekanntermaßen psychisch kranken Personen galten lange als Fantasie von Verrückten und wurden belächelt, kritisiert und, im Falle eines Erfolges, allein dem Wahnsinn des Künstlers zugeschrieben. Heutzutage haben diese Werke den Weg in die Mitte der Gesellschaft gefunden und gelten als einzigartige Inspiration. Durch den historischen, aber auch medizinisch mittlerweile nachgewiesenen Zusammenhang von kreativer Kunst und psychischer Instabilität liegt es nahe, dass Kunst eine exzellente Form von Therapie für Menschen mit aller Art von Einschränkungen, Krankheiten und Behinderungen darstellt.

Kunst aus Therapie

Vor allem während des Surrealismus waren Künstler und Publikum fasziniert von den Werken, die in künstlerischem Wahn geschaffen wurden; durch die psychischen Ausnahmezustände und Grenzerfahrungen können psychisch kranke Personen eine Fantasie auf Papier oder Leinwand festhalten, die Außenstehende verblüfft, fasziniert und begeistert. Es existieren beispielsweise zahlreiche Sammlungen, Standardwerke und Ausstellungen zum Thema Kunst von Geisteskranken, die sich seit Jahrzehnten immer mehr Interessenten finden. Diese sogenannte Art Brut oder Outsider-Art, die Kunst der Außenseiter und Grenzgänger, traf schließlich auch auf die Psychologie und fand so ihren festen Platz innerhalb psychiatrischer Behandlungen.

Auch wenn man den Ansatz – unterscheidet sich Kunst wirklich in derartigem Ausmaß abhängig von der psychischen Gesundheit des Künstlers? – kritisch betrachtet, kann der positive, heilende Effekt von künstlerischen Prozessen nicht völlig geleugnet werden. Es existieren genug Belege, Aussagen von Ärzten und Betroffenen, die eindeutig sichtbar machen, wie Kunst auf Gehirn, Gedanken und Emotionen von Menschen wirkt.

Kunst als Therapie

Die in den 1960er-Jahren entstandene Kunsttherapie dient im Zuge einer psychiatrischen Untersuchung und Behandlung als Werkzeug für Patienten, um Emotionen, Erlebnisse, Traumata oder anderes auf dem Papier ausdrücken zu können; dies bietet eine gute Grundlage zur Verdeutlichung von Krankheitssymptomen sowie zur emotionalen Auf- und Verarbeitung des Erlebten. Auch beeinflusst diese Art von Therapie das Verhältnis von Fremd- und Selbstwahrnehmung für Patient und betreuenden Arzt oder Psychologen.

Neben dem offensichtlichen Effekt der verbesserten Kommunikation während einer Therapie dient das kreative Schaffen den Patienten auch dazu, Gefühle wie Ohnmacht, Hilflosigkeit oder Selbsthass punktuell zu überwinden: Das Schaffen eines künstlerischen Produktes vermittelt ein Gefühl von Produktivität, Stolz und Vertrauen in eigene Fähigkeiten. Es gibt einem Patienten die Sicherheit, einen Bezug zum aktuellen Lebensumstand sowie einen Zugang zu den eigenen Emotionen zu haben. Es ist kein Wunder, dass die Kunsttherapie aus der psychologischen Arbeit heutzutage nicht mehr wegzudenken ist.

Der berühmten Kombination aus Genie und Wahnsinn fielen tatsächlich viele bekannte Künstler zum Opfer. Ist man einmal auf der Suche, lassen sich zu einer Vielzahl von historischen Persönlichkeiten gewisse psychische Krankheiten, Störungen und Auffälligkeiten in Biografie und Werken finden.

Wahnsinnige Maler/

In der Malerei scheint das Vorkommen von psychischen Krankheiten überproportional.

Man kennt die Biografie von Vincent van Gogh: Als einer der Begründer der modernen Malerei bekannt, lebte der Maler in Frankreich des 19. Jahrhunderts. In den letzten Jahren vor seinem Tod mit 37 Jahren litt er unter diversen, posthum gestellten medizinischen Diagnosen: Wahnvorstellungen, Albträume, Depressionen sowie Armut und soziale Isolation trieben van Gogh in eine psychiatrische Anstalt, zum berühmten Abschneiden seines linken Ohres und schließlich in einen tragischen Selbstmord. Während seine Zeichnungen und Gemälde während seiner Lebzeit kaum Anklang fanden, gelten sie mittlerweile als teure Exemplare des Post-Impressionismus und sind international bekannt und begehrt.

Ein weiteres Beispiel für einen verrückten Maler ist die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo: Nach einem schweren Unfall litt sie den Rest ihres Lebens unter körperlichen Einschränkungen und Schmerzen sowie seelischen Krankheiten, vor allem Depressionen. Sie nutzte ihre surrealistische Malerei, um die Dämonen ihres Alltags zu bannen, bis sie 1954 starb. Ein Selbstmord konnte nie völlig ausgeschlossen werden. Ihre Bilder sind geprägt von Motiven der Einsamkeit sowie von Darstellungen mehrerer Ichs.

Die Bilder des amerikanischen Malers Mark Rothko, Vertreter des abstrakten Expressionismus, sind gezeichnet von seinen manisch-depressiven Episoden. Er beging 1970 in seinem Atelier Selbstmord. Mehrere seiner Werke finden sich unter den teuersten Gemälden der Welt.

Das Vermächtnis

Die Aufzählung ließe sich vermutlich lang fortführen. Das Erbe der Wahnsinnigen sind die Berühmtheit, die Beliebtheit ihrer Bilder, aus denen zu erkennen ist, wie sehr sie selbst vom Leben gezeichnet waren.

Als sogenannte Graphic Novels gelten sie mittlerweile als Bestandteil moderner Literatur: die Comics.

Was sich viele als Cartoons, Karikaturen oder Element von Kindermagazinen vorstellen, ist eine eigene Kunstform für sich. Mithilfe von gezeichneten Bildern oder Illustrationen werden Narrative unterstützt, literarische Geschichten bildlich dargestellt und so auf eine eigene Art ganze Romane erzählt.

Natürlich gibt es Comics auch für Kinder, beispielsweise die Reihe Das Lustige Taschenbuch oder Lucky Luke, Tim und Struppi oder Asterix – die berühmten Abenteuerserien für Kinder wecken allerdings bei so manchem Erwachsenen Kindheitsnostalgie und finden daher ein breites Publikum jeden Alters. Sie sind international beliebt und daher in vielen verschiedenen Sprachen übersetzt verfügbar.

Aufgrund der komplexen Erzählweise und bestimmten Inhalten richten sich die Comics in Buchform oft an ein erwachsenes Publikum. Die berühmten illustrierten Romane wie Persepolis (2000), Rosa Winkel (2012) oder Maus- die Geschichte eines Überlebenden (1991) vereinen politische Inhalte, autobiografisches Trauma und sehr emotionale Botschaften mit einer Ästhetik, die man nur als Kunst bezeichnen kann.

Die Comicindustrie lehnt den Begriff Graphic Novel oft ab, da die anspruchsvolle Thematik von dem puren Unterhaltungseffekt von klassischen Comicalben abgegrenzt werden soll. Unabhängig von dieser Debatte bleibt jedoch eine stetige Beliebtheit von Klassikern, ebenso wie ein wachsendes Aufkommen von immer neuen Künstlern mit politischer Message, die ihre Romane zeichnen statt zu schreiben.

Art should comfort the disturbed, and disturb the comfortable. Dieses Zitat wird dem anonymen Graffiti-Künstler Banksy zugeschrieben. Es beschreibt das Wesen der modernen Kunstform des Graffiti.

Der Begriff stammt aus dem Italienischen und bedeutet figurale Dekoration. Er bezeichnet das Schreiben, Zeichnen und Malen auf Flächen mit Spraydosen in verschiedenen Farben. Ursprünglich war Graffiti Teil der Hip-Hop-Jugendkultur in urbanen Zentren der USA. Das sogenannte Writing entstand Ende des 20. Jahrhunderts als künstlerische Ausdrucksform von politisch motivierten Parolen, Bildern und Formen.

Während Wandmalereien historisch und archäologisch eine bedeutende Rolle spielen, wurde das moderne Graffiti oft als Vandalismus von öffentlichen Flächen wie Gebäudewänden, Brücken oder Zügen bezeichnet. Mittlerweile gilt es allerdings als kultureller Bestandteil von Städten. Nicht erst seit Berühmtheiten wie Banksy sind Graffitis über die Sprayerszene hinaus zu interessanten Elementen von Architektur in Städten sowie festem Teil von politischem Aktivismus geworden.

Die Kreativität der Künstler folgt dabei bestimmten Stilen oder Motiven je nach Entstehungszeit und politischem Hintergrund: Beispielsweise findet sich in Nordirland und anderen politisch brisanten Gebieten der Welt vermehrt nationalistische, patriotische und separatistische Symbolik. In den Metropolen der Welt gelten bestimmte Bilder oder Worte als Kennzeichen von Straßengangs.

Unabhängig von Häufigkeit, Motivation oder Niveau ist die sogenannte Street-Art nicht von den Fassaden der Städte der Welt wegzudenken und bietet neue Projektionsfläche für Künstler jeden Alters.